“No tengo una visión oscura de la vida, más bien la vida es oscura”

Entrevista con Rocambole

Entrevista con Rocambole (Ricardo Cohen), artista plástico creador de la clásica iconografía de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

Por Federico Millenaar y Alan Ulacia

¿Cuántas de sus obras ven finalmente la luz? ¿Guarda mucho sin publicar?

Yo soy un tipo que hace mucho boceto, tengo cantidad de blocks de papel; los llevo siempre conmigo y si, por ejemplo, estoy aburrido haciendo cola en algún lado empiezo a hacer algo, algún mamarracho. Muchos de esos bocetos finalmente los elaboro más y terminan siendo algo, que no se sabe bien qué es al principio.

¿Cuesta mucho tomar la decisión de que una obra está terminada?

Uno siempre tiene ganas de seguir retocando, yo mismo he visto obras, que ya no son mías porque están en otro lado, y tengo ganas de seguir retocándolas. Pero eso le pasa a todo artista plástico, cuando ve su obra un tiempo más tarde empieza a pensar que debería haberle agregado algo o que le faltan cosas. Eso pasa, pero suelo saber cuándo una obra está terminada, cuándo no pide más y ya está. Además, en general ya las tengo semi elaboradas a través del boceto, entonces sé claramente hasta dónde tiene que llegar.

 Cuando al cabo del día uno leyó varios periódicos piensa que la dimensión humana en el cosmos es más que nada una tragedia.

El rasgo distintivo que vemos en su obra es que los personajes suelen ser deformes, siniestros o medios oscuros. ¿Esto se debe a una visión oscura de la vida?

Es posible. No creo que sea tanto una visión oscura de la vida sino que la vida sea oscura. Mi gran fuente de inspiración han sido siempre los diarios. A veces, cuando al cabo del día uno leyó varios periódicos piensa que la dimensión humana en el cosmos es más que nada una tragedia. Entonces es lógico que tenga un pensamiento un poco perturbado con respecto a las cosas. En general uno ve rodar la injusticia, la desigualdad, la indiferencia, la carrera por el poder, los objetos o el dinero, y cuesta bastante tener una visión positiva a través de cómo se va desarrollando la historia humana. De todas maneras, eso no quita que haya situaciones que uno admira y que le parecen absolutamente elocuentes en cuando a cierta necesidad del hombre de resurgir, de salir de esas cenizas y cobrar mejor dimensión humana. Hay cosas conmovedoras, voluntarismos fantásticos. A veces imagino a la organización Médicos sin Fronteras en lugares como África; los tipos trabajan con una voluntad muy conmovedora y no se desalientan. Asimismo, lo ves en tantos hospitales y lugares donde no llega la mano de la justicia humana. Eso me parece fantástico y creo que equilibra levemente todos los desastres que uno ve o escucha que suceden.

Entrevista con Rocambole - Muestra de arte

Finalmente, uno trabaja sobre el amor, la locura y la muerte

¿Cuál es el hilo conductor que une toda su obra? Antes hablaba de una visión “perturbada” de la vida…

Yo me uno a cierta reflexión que hizo alguna vez el escritor Horacio Quiroga, que decía que finalmente uno trabaja sobre el amor, la locura y la muerte, que son los temas densos del hombre, los que más conmueven. Entonces puede parecer oscuro, de hecho algunas pinturas son decididamente negras; también tienen cierta herencia de la composición y los contrastes de la historieta, porque yo siempre fui un amante de la historieta. Muchos de mis cuadros tiene que ver con una página de historietas. Fuertes contrastes, negro, blanco, rojo.

Una característica de su obra es que al estar vinculada e identificada con una banda de rock mucha gente se apropió de ella. ¿Alguna vez vio uno de sus dibujos asociado con algo que tal vez no comparte? Por ejemplo, muchas agrupaciones políticas los han tomado.

Me ha pasado, las he visto en situaciones que realmente no compartía, pero es un riesgo que se corre cuando la obra echa a correr. Es un término bastante obvio pero una vez que la gente la tomó, ya no es de uno. Incluso a veces uno la ve transformada. Pero en general estoy bastante conforme con el uso que se ha hecho de las obras. Qué más puede querer un realizador que ver las cosas que hizo una noche en un papel convertidas en una bandera o icono para gente que cree enfáticamente en algo.

O un tatuaje, que es el máximo compromiso con un artista…

Para mí eso es impresionante.

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¿Cuál es tu visión sobre la relación entre arte y tecnología? Dos actividades humanas que son antagónicas en un punto, pero también complementarias…

En general, pienso que la tecnología siempre ha estado penetrando y atravesando las situaciones humanas. Tanto es así que no podés imaginarte la no existencia de la pólvora, o el descubrimiento de la imprenta de tipos móviles. Por lo menos la mitad de la cultura humana se debe a la imprenta. En estos tiempos, que estamos más atravesados por la tecnología, que fluye por todas partes, nos condiciona en muchos sentidos. En el terreno del arte siempre ha habido una relación directa. En un momento dado, en el Renacimiento, los flamencos inventaron la pintura al óleo. Cambiaron la luz y la inspiración de toda la factura técnica plástica de esos tiempos y posibilitaron el desarrollo de ciertos géneros como el Barroco. Por ejemplo, con otras formas de pintura uno no se imagina a El Greco o a Caravaggio. También es difícil separar el Pop Art de la pintura acrílica. Ahora que es posible retocar y modificar todo a través de softwares, incluso la fotografía que tenía cierto aura de documento ha dejado de tenerla. El cine, que también podría a llegar a ser un documento, ya no lo es. A través de los efectos podés dudar de todos.

Nunca he tomado distancia de la tecnología como de una cosa nefasta.

Nuestra pregunta viene por el lado de que las experiencias más transformadoras o radicales suelen tener cierta aversión a la tecnología. Sobre la politicidad del problema de la técnica, que tanto por izquierda o por derecha suele ser considerada una cuestión no problemática, como una esfera “neutral”…

No sé, yo las veo siempre como herramientas, nunca he tomado una distancia como de una cosa nefasta. Sí lo he hecho al no dejarme atrapar por cosas que sé que son adictivas o que pueden perturbarte, a diario veo gente adicta al teléfono o a las redes sociales. Un poco las critico, pero de todas maneras cuando aparece algún aparato que me facilita alguna tarea no dudo en probarlo. En el caso del diseño gráfico, la posibilidades de pensamiento que da el Photoshop me parecen extraordinarias, porque antes era bastante difícil “pensar en capas”. Uno, en el terreno de la pintura, a vece lo hacía pero no era tan contundente como la posibilidad que pudo abrirse a través del Photoshop. Incluso me interesa la relación entre las tecnologías y la artesanía manual. Trato de mezclarlo. Yo siempre trabajo a partir de un lápiz y un papel. Por ahora me parece más práctico que una tableta, porque es más liviano y una tableta uno no la puede doblar, arrugar y meter en el bolsillo de atrás. Yo trabajo a partir de lápiz y papel y muchas veces digitalizo los bocetos, a veces los imprimo y pinto arriba, los vuelvo a escanear; otras veces proyecto y trabajo sobre la proyección. Hay una relación de ida y vuelta, no le tengo asco.

¿Siempre hace bocetos primero y después trabajas sobre eso?

Si, casi todo parte de un boceto. Incluso a veces boceto sin saber a dónde voy. Después, muchas veces que tengo una tarea específica de diseño, como puede ser la gráfica de un disco, voy a los bocetos viejos y digo: “Ah, este me pude servir”. Lo reconfiguro, le doy otra significación.

Nunca me importó el copyright. Yo creo en la obra abierta, en el arte como patrimonio de la humanidad.

Volviendo a la cuestión tecnológica, nosotros pensamos que la globalización y el uso de Internet están redefiniendo los derechos de autor en la música…

Es una cosa que nunca me importó. Yo creo en la obra abierta, en el arte como patrimonio de la humanidad. Si todo el mundo hubiera tenido el copyright de sus obras no se hubiera desarrollado el arte. Supongo que si la ciencia acentuara ese copyright, como ahora que quieren registrar formas genéticas, tampoco habría desarrollo, ya que siempre se ha basado en la cooperación.

Y detrás de ese hecho tecnológico se cristalizan relaciones de poder…

Sí… y si yo hubiera perseguido a los que copiaban la imagen del esclavo con la cadena no se hubiera difundido como lo hizo. Hubiera hecho mil o dos mil remeras y ahí hubiera terminado la cosa. Estoy en contra del copyright, decididamente. En música no sé, porque los músicos tienen que vivir de algo, pero bueno, supongo que también viven de las actuaciones. Una vez que estaba visitando Cuba estuve en un barrio en Trinidad donde había una feria de música. Había gente que tenía ahí sus pentagramas a la venta y muchos extranjeros que compraban. Eso me pareció fantástico. Claro que era como una cosa medieval, no creo que sea posible en un mundo como el que tenemos. Pero bueno, no me parece que alguien tenga que pagar para tocar una música, aunque la haya compuesto Solari.

¿Qué tapa de disco le impactó antes que usted empiece a hacer las suya?

A mí me volaron la cabeza los Beatles cuando empezaron a hacer tapas como la gente, a partir de Revolver. La de Sgt. Pepper… ése era el lugar donde había que ir. De todas maneras, cuando me empecé a relacionar con algunos amigos que hacían música y creían en la idea de hacer rock en castellano, ya estaba básicamente plantada la idea de hacer una obra total. Que no fuera solamente un paquete de canciones sino entregar una idea que también pudiera visualizarse. Entonces, cuando vimos la tapa de Peter Blake de Sgt. Pepper dijimos: “Por ahí hay que andar”. En el rock nacional se hicieron muchas tapas interesantes. Desde el primer disco de Almendra, con un dibujo de Spinetta. Ya era una cosa rarísima dentro del medio, porque hasta ese momento, en la década del ´60, las tapas de discos de música popular eran espantosas. No había ni diseño, ponían una foto mala de la cara del tipo y letras recortadas. Eso era todo.

Los Redondos tuvieron una gran influencia en el hecho de darle importancia al arte de tapa y a la estética general de una banda…

Si. A mí me influenciaron los Beatles y el grupo este de diseñadores que se llamó Hipgnosis. En Inglaterra, un sueco llamado Storm Thorgerson reúne a un grupo de diseñadores y empiezan a trabajar para Yes, y otras bandas de rock progresivo como Pink Floyd, Led Zeppelin, etc. Toda esa época de las tapas del rock inglés, que eran atesorables y formidables, las hizo Hipgnosis.

¿Cuál es su favorita?

Tapas que me acuerdo… todas. Las de Emerson, Lake & Palmer. Las del rock sinfónico eran fantásticas. Sí, me acuerdo acá la que hizo Juan Gatti del disco Artaud de Spinetta, esa tapa que ya no era cuadrada.

Entrevista con Rocambole - Muestra de arte

¿Nota que hay una merma de la música conceptual, de la noción de “concepto” en el rock? Muy relacionada quizá a los `60 y los `70…

Ustedes saben que las ideas culturales y contraculturales van y vienen. Hay épocas y épocas. A mí me parecía muy natural todo el talento que había disperso a fines de la década del ´60. Jimi Hendrix, Led Zeppelin… Hoy en día pienso que esos tipos tenían algo mágico, habían hecho algún pacto con el diablo, ¿cómo podían ser tan buenos y tantos? ¿Cómo podían juntarse en un festival como el de Monterrey? De repente también hay épocas que parecen medio de meseta o deficientes. Pero es así, en el Renacimiento Leonardo, Miguel Ángel y Bottichelli eran contemporáneos y vivían todos en la misma ciudad. Esos cuatro o cinco tipos transformaron la historia de la pintura. Son momentos históricos, obviamente se deben repetir. Hoy en día yo ya no estoy tan en contacto con lo super nuevo pero a lo mejor se están gestando cosas.

¿En la actualidad vio alguna estética que le haya llamado la atención?

Sí, siempre hay cosas que me llaman la atención. Una vuelta vi una tapa que era una bomba. Una esfera negra con una mecha.

La tapa de Las Manos de Filippi

Sí, yo dije: “Bien, hasta aquí llegamos”.

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Federico Millenaar
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Federico Millenaar

Politólogo y maestrando en Periodismo, autor y fundador en LaBrokenface.
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